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中国画构图问题与应用
作者:雷慧珍  文章来源:手绘100网  点击数  更新时间:2014/3/20 9:03:46  文章录入:admin  责任编辑:admin

 



中国画构图的含义可以阐述为:画家依据所要绘制的题材以及所要表现的主题思想,通过一定的组织和布置将所要叙述的内容表现出来,从而形成一幅画面协调、内容完整的绘画作品。对于中国画而言,构图又被称为“章法”和“布局”。

1.错落有致的穿插

对于中国画而言,穿插错落这一构图手法是中国画构图中的重要组成部分。错落有致和主题明显是穿插错落构图法成功的关键。画家们在绘制中国画的过程中,经常会参差错落地对将要描绘的物象进行安排,这样描绘出来的画面就更加灵活和具有生命感,没有刻意的安排,显得自然得体。

2.开合呼应的描绘

从字面上对“开合呼应”进行理解就是合拢与拆开相呼应的意思,若将要绘制的物象拆开则可以做到逐物有致,如果合拢则通体联络,在这其中也不乏相互转换、遥相呼应的变化。对于中国画的构图来说,总的构成方式是由开合呼应来决定的,气势作为开合呼应所注重的表现形式,使得由此绘制出的作品能够在视觉上首先表现出一种气势。用中国画中的开合呼应构图法所绘制的作品主要是通过韵律、节奏、聚散、疏密、幅度等方面对物象的形态进行描述。

3.散点视的方法

在中国画中,散点透视作为独有的构图方法而被画家们在创作中运用。不同于中国画,西方画家一般都将黄金比例作为绘图时采用的构图方法,因此不会出现狭长的画幅。相比而言,中国画的创作者可以采用散点透视的手法对物象的大小和位置进行任意地规定,这是中国画所特有的地方。纵观中国历史上的著名画作我们可以发现《清明上河图》等许多绘画作品都采用了散点透视的构图法则。

4.诗画书印的结合

另一个只有在中国画中才能看到的构图就是诗文与绘画的结合。中国的绘画艺术就是将诗、书、画、印融合在一幅作品里,这样一幅中国画才能完整地表现出中国艺术所具有的特色。诗与画的相互结合将几种中国艺术融合到了一起,绘制出的作品画面丰富、意境优美。而要掌握这种构图方法也并不容易,它需要画家对诗文和绘画等多方面的文化有着深刻的理解,这是西方画家所不具有的。

三、国画构图法则的应用

1.诗画结合在国画构图中的应用俗话说, “诗是可以朗读的画, 画是形象的诗”,这较为形象地表明了诗画之间的相互关系和异同。诗歌的基调大多以“言志”为主,常常表达了作者的主观情感。然而画是一种客观的造型艺术并以“能见”为特色。 “可以朗读的画”则体现了诗是形象思维的创作,要求具有“画”的形象特征,并以此来烘托意境。比如说,诗中常见的“比兴”手法就是运用具体并且客观的物象,来抒发寄托诗人的主观情感。 “画是形象的诗”则说明了诗中的意境和情感要渗透到画中。因此,诗要从感情中衬托出景,并借助景物抒发情感,但是诗里的景物无法通过人们的视觉感官进行观察,必须借助想象才能使景物在人们的脑海里出现。人们虽然可以通过眼睛直接观察画中的景物,但是所要抒发的情感却无法通过画中之景直接地表现出来,能引起人们感官感受,才能有共鸣。例如,在绘制山水画时,将景物从人物画当中抽离,就变成了独立于人物画的山水画,虽然自然景物成为了主要的描写对象,但是画家一旦将它画出来,就不会让人们感觉到是线性的反映,而是重现了“第二自然”。画家通过对自然景物的描写来寄托情怀和志向,当画家无法通过画中

的景物来倾吐感情时,就需要跳出画作,通过诗歌来抒发情感。 因此, 就出现了诗画结合的创作形式,诗的形象借助画表现得更明显了,而画中之情也借助诗歌进一步得到了升华。诗与画成为了一个整体融合了它们的内容和形式,共同抒发着作者的思想感情。诗歌不但成为了画面构图中的重要元素,并且诗在内容上和画相呼应,不再是独立表达的诗。

晃说之曾经说过,诗以画中的形态传达了画外之意,通过这句话来理解诗画结合的构图是比较恰当精准的。诗画构图的方法不但将诗添加到画的内容中,而且人们细细品味画中的诗歌,再从诗歌里体会画的情感,反复几次,观赏者就得到了看画和品诗单独进行所产生的艺术享受,这也就构成了诗画结合构图艺术的情感丰富与内容圆满。

2.虚实关系在国画构图中的应用

1)传统构图中虚实关系的体现

中国画通常以简练的笔法来进行写意画的创作,大多在生宣上作画,从表现所描绘景物的神韵上看,比工笔画胜出一筹,能更好地抒发作者的感情。写意画是长期历史沉淀中渐渐形成的,其中文人在写意画上的创作,对写意画的发展有着非常积极的影响。写意画的宗旨就是神似,通过用墨的变化来使作者的个性得到自由地发挥。虚实关系中所蕴含的艺术特点和传统的中国文化又相互影响,因此具有悠久的历史,体现出中国画的博大精深。

在进行中国画的创作时,构图始终决定着中国画的内容和情感是否得到充分表现,虚实关系构图法又是中国传统构图中的重要组成。在中国画中,人们所说的“虚”并不是空洞没有内容的,而“实”也不指一味地堆积画面里的所有造型元素。中国画里的艺术表达并不是简简单单地再现所描绘的景物,因此在艺术创作中需要考虑虚实关系。在相似和差异之间,也就是虚与实的对立和统一的过程。虚中包含着实,实中存在着虚,虚实关系的和谐共存通过构图得以充分地展现。构图中所留的空白之处对于中国画构图来说,是画家为了表达主题所留

有余地而寻求的大的画面空间。在中国画的山水画领域里,基本都能发现大面积的空白,一般都没有着墨,留出一定的白底,使得分明的虚实关系在画中得到体现。

2)近代国画中的虚实构图问题

近代的中国画追求创新和中西融合,因此出现了中国画历史上未曾有过的丰富多样的新风格。随着中国社会的发展,近代国画的传统风格也随之改变,加之西方的画作的大量输入,也影响着中国画的创作并使受众角色也发生了变化。中国画与西方绘画相比,在形象和颜色上显得简洁,体现出一种清淡朴实之美。中国画里虚实关系的构图要求对绘画对象有大胆的取舍,对于次要之处则无须用墨,但是要保证画面的整体感。

当画家决定采用虚实关系构图时,落下的第一笔就应当考虑到画面的虚实关系,再进行接下来的绘画。虚实关系的构图还能通过用笔和用线的组合来实现,它们之间相互作用和变化,构成了一种与众不同的虚实关系。比如画家在进行花鸟画的创作时,其中的“小虚”一定要服从“大虚”的需要,而“小实”则一定要满足“大实”的要求,当整体的虚实关系发生变化时,局部的虚实关系要为其作出相应的变化。非常著名的画家吴昌硕先生,擅长以花卉为题材进行创作,他的作画风格深受前人的影响,并主张要用传统的用笔方法来进行虚实关系构图,并在此过程中进行灵活变化。在格局的布置上追求虚实对比,将主体更好地凸显出来。

3)阴阳平衡在国画构图中的应用

在古代,中国人对于宇宙的生成说是从一个整体来看的,并且将阴阳两大性质作为宇宙里的万事万物变化和发展的根本,阴阳二气的混合与变化产生了世间的万物。中国画经过数千年的不断发展和变革,是画家们对阴阳平衡意境的一种追求结果。它体现发生与发展,体现了变化和互动。在几千年的中国传统文化历史长河里,中国美学一直受到来自意象论和阴阳观的影响,积极推动了中国画的发展。中国画的创作要做到在绘画之前就对画面的构成与表达成竹在胸,运筹帷幄。在绘画的过程中,巧妙地将物象和意象进行融合,做到融会贯通。阴阳构图法的原则是,整幅画中所包括的阴阳二气要相互交融,时刻让观赏者体会到从画里涌出的一种神奇的创造力,感受到自然天成与神思合一。国画中的阴阳构图法无论是在用笔还是用墨中都能看到阴阳结合的体现,如果一幅画使观赏者看到作者的造作,就会产生一种画面美感缺失、让人不舒服的感觉,那就说明这幅画作在构图上阴阳失调了。因此,在中国画的阴阳构图法中要注意使阴阳二气得以互相包容、相互贯穿,形成此消彼长的一种状态,使整个画面有一种阴阳平衡的感觉。

4)空间法在国画构图中的应用

中国画不仅有让人心旷神怡的意境,画面的构图也使人感觉到层次分明。中国画在透视法的构图上为了区分与西方绘画的不同,产生了“行动性的远近法”这一构图方法,为了与西方的构图方法即焦点透视法对应也称之为“散点透视”。众所周知,视点的建立是透视原则的前提,当出现了“行动性的远近法”这种对物体进行移动式的观察方法后,中西绘画进一步在形式结构上产生了差异,与此同时,中国画又通过这一理论使其形式和结构得到了最充分的表现。仔细分析后发现, “散点透视”在一些方面产生了自相矛盾之处,至少是不够确切的。

西方人是在严格的视点和焦点概念上建立起透视法的,然而“散点”并不是说将多个视点组合在一起,而是人们边移动边进行观察的一种方式,被观察的对象也并非人们绘图时所使用的某个瞬间的静止时空,因此它是一种带有很大自由性的在时序进程中的观察方式。 《清明上河图》则充分体现出这一点,虽然“透视”上的一些矛盾在画作中的任何一个部分都可以被观赏者发现,但是观赏者对画面的总体进行观赏时却没有丝毫的不适,反而觉得画中每一景物都得到了稳定而自然、和谐又统一的表现。画面中,画家将空间上的变化通过每个物象的远近改变来实现,同时还将此方法产生的改变和差异在表现的过程中降至最低的程度,又尽可能清楚地交代了远近不同的物象。所以说。这种构图方法无疑是成功的。

在经过了千年的磨砺之后,中国传统艺术成为了中华民族独具特色的瑰宝,如今,随着时代的发展,现代的构图朝着多元化的方向发展,我们对中国传统艺术进行重新审视后发现,先辈们所创造的构图方法令人叹服。因此,在如今信息迅猛发展与变化的时代,作为新一代的中国画艺术工作者,我们要把继承和发扬传统艺术文化作为基础,立足于世界绘画之林。

 

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